“Para mí los payasos son material para cierto tipo de director, un actor de teatro no tiene esa impronta de lanzarse”

Esta vez nos fuimos para el barrio de Almagro a encontramos con Lucas Martelli director de Sólo Para Payasos, un documental hecho por payasos interpretados por ellos mismos y  exclusivamente para estos seres de narices rojas. Lucas nos recibió en su casa, a lo largo de la entrevista pudimos conocer un poco más acerca de su formación como realizador y acróbata, una vida bastante vertiginosa llena de giros y casualidades. Producto del azar o del destino; así se fueron sucediendo los hechos en la vida de este director payaso.


Una producción superpayasesca:

La película, pertenece al género docuficción, que conjuga imágenes reales con una historia ficticia. Miles de payasos de diferentes lugares se reúnen en un evento único. Están en la búsqueda de “El acto” una interpretación soñada y deslumbrante que promete estremecer a sus espectadores, arrancarles carcajadas a borbotones y revelar algún que otro lagrimón de emoción.





¿Cómo te decidiste a estudiar cine?

De chico quería ser físico, después me di cuenta que eso no era posible y empecé a estudiar cine, eso fue en los 90. En realidad entré de casualidad a la Escuela de Cine de Avellaneda, con un amigo teníamos esos primeras VHS que tenían mochila, y grabábamos los Redonditos de Ricota nos divertíamos. Yo era bastante cinéfilo, nos fuimos a anotar para el examen, yo entré y él no.

Quise hacer todo, empecé a estudiar física, cine y trabajaba, y en un momento tuve que elegir, y me incliné por el cine. El grupo Boedo fue un proyecto de Claudio Remedi, que fue un poco el alma máter, por mi parte me dedico más a la cámara y a la fotografía. Ese fue nuestro paso fundacional como documentalistas. Nos formamos en el IDAC (Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda), nuestra tesis fue Fantasmas en la Patagonia, la terminamos en el 95 en plena época menemista, fue una de las primeras películas que hizo una crítica fuerte al impacto que tenían las políticas neoliberales en Argentina, ahí contamos la historia de Sierra Grande. Fue nuestra puesta más grande, tuvo su movida y también buena crítica.



Claudio siguió haciendo su laburo, lentamente cada uno fue incorporando lo suyo, yo me dediqué a hacer otras cosas (nos señala los cuadros que están colgados en la pared, en donde se lo puede apreciar haciendo acrobacias en diferentes espectáculos).


¿Cómo llegaste a convertirte en acróbata? 

Me dediqué a hacer otro camino, empecé a entrenar primero como un hobby el tema del circo y después se convirtió en mi medio principal de vida durante quince años. Es decir, seguí haciendo algún que otro documental con grupo Boedo, con varios laburos en el medio, hasta que a los 40 me dolía todo y empecé a volver hacer documentales, o cine o televisión, por ahí como una alternativa.

Mi primer contacto con el circo fue en el 95, en un barco a la Secretaria de Cultura, yo trabajaba para una productora como asistente de cámara y me llamaron como cámara. Este barco iba de Buenos Aires a Paraguay, había muchos espectáculos de folclore clásico y entre ellos un espectáculo callejero. Así los conocí a Chacovachi y a Marianita Sánchez, una acróbata magnifica, me hice amigo de esa gente, me enseñaron a hacer malabares. En plenos 90 encontré algo diferente. Era una época en donde no estaban muy bien las cosas, y Chaco hacia lo que se le daba la gana, decía lo que se le daba la gana en el espectáculo tenía una vida completamente alternativa y podía sostenerla bien, fue un pionero. Una frase de él que me quedo grabada es “lo bueno del circo es que siempre tenés un desafío más allá”, o sea, vos haces algo y cada uno puede llegar a un cierto límite y después lo vas pasando.

En muy pocos meses fui aprendiendo muchas cosas y era un terreno virgen, nadie hacia eso, de pronto tenía un personaje que salía con arneses del techo del Teatro de La Rivera y era el personaje que abría el espectáculo del grupo Catalinas Sur. Pero no ganaba plata, así que fuimos a Brasil ese verano, estuve trabajando en una discoteca con Germán Katz, un zanquista payaso (Boedo Films) ahora es el director de FXs de Sólo Para Payasos.


¿Cómo surgió Sólo Para Payasos?

Cuando empecé no había circo alternativo en la Argentina, éramos muy pocos nos conocíamos entre nosotros, con la película yo tenía ganas de representar lo que a mí me pasó en ese mundo cuando me metí. Creció mucho, ahora es algo muy normal y la gente lo hace hasta como un deporte.

Sólo Para Payasos empezó a grabarse allá por el 2009. Fue una película de amigos en todo sentido.  Se empezó a gestar en una de las convenciones de Circo, Payasos y Espectáculos Callejeros, que es la más antigua y más grande de Sudamérica. Las convenciones de circo son una cosa de amigos cirqueros que se la pasan viajando por el mundo, de artistas para artistas, no viene gente de afuera y ése es un poco el esquema de la película. Muchos se la pasan laburando en diferentes lugares y se conocen de muchos años, entonces se sientan a charlar, toman mate, fuman algo de la amistad que tienen ellos, (risas) y vos tenés tipos muy grosos con una capacidad actoral increíble, con una gran energía, porque los payasos tienen una intensidad muy grande. Imagínate un tipo que tiene que trabajar con lo ridículo, con lo no tradicional con lo fuera de lugar, en un espacio como la calle y sostener un corro de 600 personas él sólo durante 45 minutos, a esa gente la tenía sentada en la mesa. Estaba el Indio, que es un payaso que se quedó ciego hace unos años y sigue siendo payaso con su familia, el Loco Brusca, que es un tipo que se fue a formar a Europa, tomó clases con los grandes maestros de clown, Chacovachi, el líder de los payasos callejeros de acá, Tenaza que es ahora una nueva figura en el mundo de los payasos de las convenciones.

Empecé a tirar ideas, lo charlamos con Chacovachi. Un mes antes de la convención que empecé a grabar me lo encontré en el Centro Cultural de La Cooperación. En un mes escribí el guión de lo que fue Sólo Para Payasos, pensado para que fuera factible de realizar en esas condiciones. Empecé a grabar ese año solo y al año siguiente lo presenté en el INCAA y gané. Para sorpresa mía la aprobaron

Al año siguiente ya fui de nuevo a grabar pero con grupo Boedo… que parecen serios por sus películas, pero en realidad no son gente sería.





¿Cómo fueron las jornadas de rodaje de Sólo Para Payasos?

En las convenciones  la gente está de corto y musculosa, después se le agrega un poco más de magia con los pedidos de la película. La gente se enteró de la película en el lugar o después con el primer trailer. Se hizo todo de una manera muy poco ortodoxa, algunos no sabían ni porqué estaban grabando pero se sumaban a esta cuestión de la acción, a los payasos les gusta mucho el hecho de hacer.

Los payasos son cien por ciento ellos, no dejan de ser payasos nunca. Se grabó otra convención en la Patagonia, en Comodoro Rivadavia, esa convención está organizada por otro payaso. Nos fuimos allá, ahí hicimos un par de escenas muy buenas lo tenemos a Morrison, un payaso increíble, en su motocicleta, todo lo que está en la película parecen escenificaciones pero son reales. Para mí los payasos son material para cierto tipo de director, un actor de teatro no tiene esa impronta de lanzarse. Todo lo que esta ahí es verdad yo les di una pátina, pero son así. Algunos me propusieron los personajes solos.

El bucéfalo es la creación de otro amigo, Gota es muy buen dibujante y le dije tu bucéfalo tiene que estar en la película. Él está volando su propia creación.




Además armamos toda la ficción que esta atrás de la película. Ronald (no aclaramos nunca su apellido) es un payaso millonario americano que es un cerdo, y él está siendo nuestro productor y todo el equipo técnico está en contra de Ronald, la producción siempre habla mal de Ronald, total no entiende castellano.





¿Podes contarnos algunas de las curiosidades de esta película?

La repercusión de payasos desconocidos que me mandaron cosas de afuera, los payasos viajan por todos lados. Algunos me dieron imágenes de ellos que ya tenían, y así tengo payasos que viajaron al Amazonas, Farolito que se va de vacaciones a Isla de Pascua, o una de las más locas es de Nepal, un payaso mexicano que tampoco conozco se grabó a él hablando con una tipa salida del National Geographic, empieza a dar vueltas en un monociclo mientras la gente lo mira. Tengo un payaso en Grecia, otros en Barcelona...

La película tiene todas esta historias que me mandaron del mundo, y así van a figurar en los títulos.





Además de Sólo Para Payasos, ¿estas involucrado en otros proyectos?

Aparte de Sólo Para Payasos, vamos a estrenar La Historia Invisible, sobre la recuperación de identidad de los descendientes de mapuches,  contado desde un lugar que no sea volver al pasado, gente que vive en ámbitos urbanos y cómo es esa relación con la sangre. Después estamos haciendo esta historia La Construcción del Enemigo de Gabriela Jaime, la estamos grabando en Uruguay. También hay una película de Horacio Almada sobre los grandes inventores argentinos que fueron olvidados, proyectos hay varios.


¿Cuándo se estrenará Sólo Para Payasos? ¿Cómo será ese momento?

Y el estreno va a ser un Avant Premiere payaso, cuando se enteren todos voy a tener filas de payasos queriendo entrar a ver la película, va a ser un evento payasístico mundial.

La idea es que termine siendo una película libre que se consiga en Internet, lo que se pueda recaudar del estreno va a servir para hacer un sitio y tener la película ahí; no la piratees vos, la pirateamos nosotros para vos.

Primero quiero presentarle la pelicula a ellos, después quiero hacer un estreno, todavía no tengo fecha, pero supongo que será en junio y quiero hacer algún evento payaso. ¿Ponerle una nariz al Obelisco?... algo que Macri no apruebe, hacer la foto e ir en cana: sería genial.

"Creo que con el arte se pueden transmitir sentimientos de una forma más directa, porque apuntas a la emoción, al espíritu, ese es el efecto que busco, no lo entiendo de otra manera"

Llegamos con el tiempo justo y en las afueras de la entrada del Abasto nos encontramos con Pablo Gorbach, director del cortometraje "Cortezas", un proyecto con una propuesta diferente. Será financiado de forma colectiva mediante una página que lo ayudará a recaudar el dinero necesario para la realización del film.

Rápidamente buscamos algún recoveco menos caótico en donde el ruido no nos invadiera y finalmente nos acomodamos como pudimos en las escaleras escapándonos del tumulto de personas.

 “Lo bueno del cine es que no necesariamente tenés que estudiar una carrera, así fue mi acercamiento, leer un montón de libros de cine, o hablar con cineastas te das cuenta que la mejor manera es ver muchas películas” comienza a contarnos Pablo.


¿Cómo terminaste estudiando cine?

“Yo creo que estudié administración para darme cuenta que me gustaba el arte, un poco pasó eso, no me arrepiento para nada, va a sonar medio Coelho, pero todos tenemos un camino y vamos hacia un lado. Creo que lo único malo es cuando te das cuenta que algo te gusta y no ir para allá, me parece que es lo más frustrante en la vida, debe ser muy triste morirte y  pensar quise hacer todo esto y no lo hice e hice otra cosa porque era lo socialmente establecido, me decían que estaba bien o simplemente por el mandato familiar o lo que quieras.

Mi comienzo más formalizado con el cine fue en el 2006 estudié un curso de dirección de cine con Christian Pauls, hermano de Alan y Gastón, todos ellos están ligados con el cine y la literatura. Mi comienzo fue con él, me vi un montón de películas francesas que no conocía, la nouvelle vague, Jean Luc-Godard, Jacques Rivette, Truffaut. Conocí cineastas que un poco revolucionaron el cine, le dieron una vuelta de tuerca. De cualquier manera, siempre fui cinéfilo, siempre fui de mirar muchas películas.

Ahí formé un grupito de cine que queríamos seguir estudiando y lo que hicimos fue un curso, que podría llamarse personalizado, de muchos años con Gustavo Fontán, no es de lo más conocido, pero para mí es súper talentoso.

No tuve una formación académica formal nunca estudié en una escuela de cine, y sin embargo, me encanto la manera, me pareció mucho más humana, mas caótica, sufrí mucho mas más”.


¿Cómo fueron tus comienzos con el cine?

“Mis primeras experiencias en el cine fueron como actor, nunca estudié actuación pero me habrán visto cara de actor o quizás soy muy caradura no me da vergüenza hacer nada. Mis primeros pasos en el cine, fueron por el año 2001 con Andrés Borghi, yo tenía una banda de new metal, (intentábamos hacer new metal) en esa época era metalero y Andrés toca la batería y  nos hicimos medio amigotes. La primera película que hizo Andrés se llamó Necrópolis, ahí hago el papel de un abogado al principio, después me van a ver con cara de pendex (risas) hace 12 o 13 años, nunca estudie actuación salvo ahora, no me interesa actuar, lo que más me interesa a mí es dirigir actores. Lo que realmente me gusta es el detrás de cámaras  y sobre todo el contacto con la gente.




Participé en la segunda película de Andrés “Bailando con el peligro”, mi papel acá era de un peluquero gay en una escena muy graciosa. Después con el grupo de chicos con los que estudié con Gustavo hice un corto que dirigió Juan Tancredi, “La noche más profunda” en el actúo y ayudé un poco en la producción la realización, etc. Lo siguiente que hice fui ser asistente de dirección en un documental que se llama “Capilla” que si todo sale bien va a salir este año, dirigido por Romina Massa, mi asistente de dirección en Cortezas. Capilla no es el típico documental de ovnis y todo el movimiento místico, se trata de retratar a la gente de Capilla del Monte y como se ve afectada por  toda esa movida de ovnis, hay un teaser, y además compuse la música, fue muy lindo, una experiencia hermosa. Después de toda esa experiencia dije, bueno tengo que hacer mi primera experiencia como director.




¿Así surgió El juego de rol?

Sí lo pensé como algo sencillo, chiquito, para filmar en una sola habitación.  Toda la historia nació una tarde de domingo, siento que es un día muy creativo. Recordé mis épocas que jugué rol, y se me ocurrió rol una historia que transcurre en una única habitación.

Surgió rapidísimo el guión de mi primer cortometraje como guionista y director , la filmamos el año pasado y la estrenamos en un bar de Paseo La Plaza. Se llenó el estreno, vino gente fanática de los juego de rol, después lo pasamos en un par de lados más con gente de juego de rol. La realidad es que siento que no le dimos la difusión que merecía, pero bueno, termine abriéndola para que se vea en YouTube, ahora voy a volverla a subir en una mejor calidad, es una película con unos mínimos errores, la búsqueda estaba más puesta en el guión, la historia avanzaba más con los diálogos, no le dimos importancia a la parte artística.
Creo que es muy interesante, muy original. Hoy en día la veo y me gusta.

Me pareció interesante el juego del personaje que juega y el personaje del juego de rol.Hay una historia de una pareja que se separa por algo que pasa y de alguna manera la separación se concreta a través del juego de rol. Hay un personaje que hace Paola Sanabria, (una actriz que me encanta) Sabrina, corta la relación con Jonathan, que es el director del juego justamente a través del juego. Cuando lo hablamos con los actores a ellos les parecía interesante para el actor el hecho de que haya un doble personaje.

Después en el trabajo de postproducción apostar a los sonidos. Lo único que está del mundo épico del juego de rol, estilo “El señor de los anillos”, son los sonidos. Me parece que sumó a la película y al final ya te olvidás, cuando se abre la puerta y entra Sabrina que nunca es Sabrina sino que es Tatiana, ella entra y rolea directamente, ya se escucha un sonido tipo puerta de catacumba.

También hice la música que es una melodía final de flauta que la compuse yo y la grabo Guadalupe Planes.




Además sos músico....

“Soy compositor, tengo banda, ahora tengo un trío de Hard Rock que se llama Cabezas Vacías, en una época tuve una banda llamada Golem, estaba medio flasheado con eso, toda la historia del Golem media fantástica, medio bíblica, me pareció interesantísima. Estaban mis dos hermanos, hacíamos una especie de rock pero pero por varios motivos, yo diría expectativas distintas tuvimos una discusión y nos separamos con la banda creo que fue algo que tenía que pasar, fue sano”.


¿Cómo surge Cortezas?

“Cortezas nace de un modo muy caótico, es una película interesante. Cuando le envié el guión a Romina justamente estaba escribiendo esta novela ligada a la ciencia ficción que capaz para el año que viene esté terminada. Yo estaba necesitando escribir otra cosa, empezó a salir sólo Cortezas un día abrí un archivo nuevo y escribí la historia de una chica, sus obsesiones, quería que fuera una película sobre la sanación del alma, suena religioso y no lo es, la sanación del espíritu de una persona. El proceso que tiene atravesar una persona después de una actualidad de zozobra de sufrimiento que en su vida no le cierra. Desde mi experiencia personal estuve así en una época de mi vida, en varios años de mi vida. Hace cinco años empecé a escribir mi primera novela Comunicación estratégica, si bien no era autobiográfica, había bastantes cosas mías, en sí una novela de sanación en la cual el protagonista buscaba iluminarse de alguna manera.

Es un poco mi historia de descubrir que lo que más me gustaba en la vida era el arte y en la época que tenía trabajo no me gustaba. Carla, la protagonista, tiene un trabajo que no le gusta y una vida que no le gusta. La gente vive en automático, muchas personas nunca se plantean qué quieren en la vida, en este momento de mi vida, nunca creí demasiado en los gurúes en los lideres, no me gusta elegir un camino prefabricado, hay mucha gente que vive en este camino prefabricado, aunque parezca muy básico mucha gente no lo hace, cuando descubrís algo más, que la vida no son los objetos físicos, lo importante no es lo que muestra la sociedad, hay un punto de quiebre, sigo engañado y cuando sabes que es un engaño, que vivías engañado o siguiendo cosas que realmente no te importaban, ya tenés que hacerte cargo de eso.


¿Qué podés contarnos del proceso de realización?

Fue un guión difícil de escribir porque hablaba mucho de mí, cuando la vea el público quiero que incomode y que al final descubran un equilibrio, que sea algo que no te esperás. Va a haber un momento con una voz en off, y cuando aparezca la voz en off vamos a trabajar con unas imágenes y unos sonidos del cine más experimental. Luciana Foglio y Luján Montes, son las principales exponentes del cine experimental argentino, junto a Ernesto Baca.

Luciana va a hacer dirección de fotografía, es su mérito las imágenes que se pueden ver en el teaser. De ella y Andrés que es el camarógrafo, y va a ser muy importante la fotografía, lo artístico y la música, el relato se va a construir en base a la interpretación de Agustina Peres y la música, la fotografía y la iluminación van a ser fundamentales. Justamente lo contrario a El Juego de Rol  donde no le dimos bola, pero sí habíamos privilegiado el diálogo y el dinamismo del montaje de las miradas entre ellos.

Acá va a ser más sencillo pero vamos a tener un trabajo extra en lo artístico. Si la película terminó sin diálogos, fue porque naturalmente se fue dando así; me di cuenta de ello, porque las obsesiones, la oscuridad de ella, se reflejaban cuando estaba sola en la casa. Las escenas de ella trabajando y hablando no aportaban nada nuevo. En un principio existió un primer guión que se fue reescribiendo, pasó por un proceso de transformación y quedó sin diálogos.


¿Cuál será el camino de Cortezas una vez finalizada?

Lo principal ahora es rodarla, en realidad lo que filmamos son escenas que probablemente usemos para la película, pero sirvieron para hacer el teaser y el video de Panal de ideas. En mayo filmaremos las escenas restantes.

Lo lindo de Cortezas, es que tuvo muchas reescrituras al principio era más tradicional, con diálogos y después cuando yo dije “ésta es la historia de ella que muestra sus cortezas”, el titulo ciertamente representa todo lo que se está poniendo ella encima para ocultarse.

Creo que va a ser una película muy linda, el estreno será en septiembre de 2013, para después llevarla a festivales. Es una película que quiero acompañarla mucho y siento que va a ser la última antes de empezar a trabajar en el largo. Igual me encanta hacer cortometrajes me parece que lo breve tiene una potencia enorme.



¿Qué es Panal de Ideas? 

Panal de ideas es una página de financiamiento colectivo, se hace un portal en el cual la idea es que vos tenés un proyecto artístico, creativo lo colgás en la página y a la gente que le interesa tu proyecto te aporta dinero y a cambio  recibe recompensas. Las recompensas van desde aparecer en los títulos a comprar la entrada para el estreno, comprar la copia del DVD de la película cuando salga,  la música original, que es de un músico muy groso Alejo Nobili.

El concepto se llama crowdfunding que nace con Kickstarter, creo que fue la primera página en Estados Unidos. La idea es aprovechar las redes sociales, para poder promocionar tu proyecto (en el caso particular de Panal de Ideas es un poco más artístico).

La filosofía de financiamiento colectivo me parece muy interesante, va de la mano con la autogestión, una tendencia que particularmente me gusta.

Panal de ideas, la forman cuatro amigos ligados al arte, los conocí a través de la red, y les gustó, por eso llegamos a hacernos amigos.

Sumate en www.panaldeideas.com/proyectos/cortezas


Además de Cortezas, ¿tenés en mente otros proyectos?

“Espero que mi primer largo sea la historia del Golem, que en realidad lo escribí como corto pero quedó demasiado largo para ser un corto y perdería muchos matices sacando la historia para llevarla a un corto y ganaría muchísimo llevándola a un largo.

La experiencia que tuve de ocho años como docente me ayudó a aprender a dirigir también, a tener la autoridad, la tranquilidad y el criterio para poder llevarlo adelante. Tanto en los trabajos que tuve como en la dirección de cine, es la misma energía. La misma energía la tengo para dirigir una película, cuando estoy dando una clase o cuando estoy tocando, son instrumentos distintos pero yo me siento igual.

Me parece que todas las actividades de la búsqueda que tengo van para el lado de tener mucha relación con la gente”.

"Creo que con el arte se pueden transmitir sentimientos de una forma más directa, porque apuntas a la emoción al espíritu, ese es el efecto que busco, no lo entiendo de otra manera".

Después de forjar un dialogo afable con Pablo y tener una aproximación más cercana a su carrera como cineasta lo despedimos para que finalmente pueda llegar a tiempo a sus clases de teatro. Esperamos poder seguir de cerca el desafío que representa Cortezas.

El martes se presentó la edición 2013 del Bafici en el Centro Cultural de Recoleta de la mano del Ministro de Cultura Hernán Lombardi y el Director Artístico del Festival Marcelo Panozzo. Entre los días 10 y 21 del mes de abril, se llevará a cabo la 15 edición del festival, con tres nuevos escenarios: el Village Recoleta Mall, el Village Caballito y el Arte Multiplex Belgrano.

La película seleccionada para la apertura es: NO, del chileno Pablo Larraín recientemente nominada al Oscar y la película que cerrará este evento será: Au bout du conte, de la francesa Agnès Jaoui.

Asimismo continuarán funcionando las sedes habituales como la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín, el Centro Cultural San Martín, la Fundación PROA, el Malba Cine, el Cine Cosmos, el Planetario y el Anfiteatro de Parque Centenario, donde se realizarán las funciones gratuitas de "BAFICI al aire libre".

El valor de cada ticket es de 20 pesos (los estudiantes y jubilados abonarán 15 pesos). Se podrán adquirir en persona en la Casa de la Cultura (Av. de Mayo 575), de lunes a viernes de 10 a 20 hs; o en el Village Recoleta Mall (Vicente López y Junín, 4º piso), todos los días en el mismo horario. De cualquier manera se pueden adquirir online.


COMPETENCIA INTERNACIONAL

-Metamorphosen, de Sebastian Mez
-Acá adentro, de Mateo Bendesky
-Leones, de Jazmín López
-Viola, de Matías Piñeiro
-Soy mucho mejor que vos, de Che Sandoval
-Dime quién era Sanchicorrota, de Jorge Tur Moltó
-Los ilusos, de Jonás Trueba
-Exit Elena, de Nathan Silver
-I Used to Be Darker, de Matt Porterfield
-Tchoupitoulas, de Bill Ross y Turner Ross
-Les Coquillettes, de Sophie Letourneur
-Ma belle gosse, de Shalimar Preuss
-Su re, de Giovanni Columbu
-The Town of Whales, de Keiko Tsuruoka
-A World Not Ours, de Mahdi Fleifel
-Berberian Sound Studio, de Peter Strickland
-Call Girl, de Mikael Marcimain
-Playback, de Antoine Cattin y Pavel Kostomarov
-Anina, de Alfredo Soderguit
-Tanta agua, de Ana Guevara y Leticia Jorge


COMPETENCIA ARGENTINA

-AB, de Iván Fund y Andreas Koefoed
-Antonio Gil, de Lía Dansker
-Barroco, de Estanislao Buisel
-Beatriz Portinari. Un documental sobre Aurora Venturini, de Agustina Massa y Fernando Krapp
-Bomba, de Sergio Bizzio
-Deshora, de Bárbara Sarasola-Day
-Habi, la extranjera, de María Florencia Álvarez
-Hawaii, de Marco Berger
-La Paz, de Santiago Loza
-El loro y el cisne, de Alejo Moguillansky
-Noche, de Leonardo Brzezicki
-P3ND3JO5, de Raúl Perrone
-Ramón Ayala, de Marcos López
-Ricardo Bär, de Nele Wohlatz y Gerardo Naumann
-Los tentados, de Mariano Blanco


COMPETENCIA VANGUARDIA Y GÉNERO

-Las amigas, de Paulo Pécora
-El día trajo la oscuridad, de Martín Desalvo
-Hábitat, de Ignacio Masllorens
-Mujer lobo, de Tamae Garateguy
-Joven y alocada, de Marialy Rivas
-Tráiganme la cabeza de la mujer metralleta, de Ernesto Díaz
-A Hijacking, de Tobias Lindholm
-A Story for the Modlins, de Sergio Oksman
-Animals, de Marçal Forés
-Arraianos, de Eloy Enciso
-Leviathan, de Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel
-Stemple Pass, de James Benning
-Vamps, de Amy Heckerling
-Lukas the Strange, de John Torres
-Déjeuner chez Gertrude Stein, de Isabelle Prim
-Vers Madrid – The Burning Bright! (Scenes from the Class Struggle and the Revolution), de Sylvain George
-Hasta el sol tiene manchas, de Julio Hernández Cordón
-Citadel, de Ciarán Foy
-Carmela, salvata dai filibustieri, de Giovanni Maderna y Mauro Santini
-El Santos vs La Tetona Mendoza, de Alejandro Lozano Adame
-Manhã de Santo António, de João Pedro Rodrigues
-Sinais de serenidade por coisas sem sentido, de Sandro Aguilar
-A última vez que vi Macau, de João Pedro Rodrigues y João Rui Guerra da Mata
-The Poor Stockinger, the Luddite Cropper and the Deluded Followers of Joanna Southcott, de Luke Fowler


SELECCION OFICIAL – FUERA DE CONCURSO

-Bloody Daughter, de Stéphanie Argerich
-El crítico, de Hernán Guerschuny
-Lazos perversos, de Chan-wook Park
-El gran simulador, de Néstor Frenkel
-Máquina de sueños, de Andrés Di Tella y Darío Schvarsztein
-El Olimpo vacío, de Pablo Racioppi y Carolina Azzi
-Los posibles, de Santiago Mitre y Juan Onofri Barbato


BAFICITO

-El corazón del roble, de Ricardo Ramón Ángel Izquierdo
-Jelly T, de Michael Hegner
-Marco Macaco, de Jan Rahbek
-Moon Man, de Stephan Schesch
-Rodencia y el diente de la princesa, de David Bisbano
-Zarafa, de Rémi Bezançon y Jean-Christophe Lie


CINE PLANETARIO

-The Beautiful, de Tanja Raman John Collingswood
-The Sublime, de Sandra Harnish-Lacey
-Coral Rekindling Venus, de Lynette Wallworth
-The Dark Side of the Moon, de Aaron McEuen
-Kilpisjärvellä, de Axel Straschnoy
-El universo de Escher, de Roberto Girón y Ernesto Páramo


PANORAMA

-5 Broken Cameras, de Emad Burnat y Guy Davidi
-74 m², de Paola Castillo y Tiziana Panizza
-The ABCs of Death, directores varios
-The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer
-All This Can Happen, de Siobhan Davies y David Hinton
-Alunizar, de Lucas Larriera y Pepa Astelarra
-Años de calle, de Alejandra Grinschpun
-Après mai, de Olivier Assayas
-Avanti popolo, de Michael Wahrmann
-Bob Wilson’s Life & Death of Marina Abramovic, de Giada Colagrande
-Buscando la esfera del poder, de Tetsuo Lumiere
-Butoh, de Constanza Sanz Palacios
-Cabeza de ratón, de Ivo Aichenbaum
-The Cat That Lived a Million Times, de Tadasuke Kotani
-Centro histórico, de Aki Kaurismäki, Pedro Costa, Víctor Erice y Manoel de Oliveira
-Chicama, de Omar Forero
-Chiri/Trace, de Naomi Kawase
-Chroniques sexuelles d’une famille d’aujourd’hui, de Jean-Marc Barr y Pascal Arnold
-The City Below, de Christoph Hochhäusler
-Closed Curtain, de Jafar Panahi y Kamboziya Partovi
-Cold, de Ugur Yücel
-Cuéntame de Bía, de Andrea Franco
-Death Metal Angola, de Jeremy Xido
-Disparos, de Juliana Reis
-Doméstica, de Gabriel Mascaro
-Dreileben – Beats Being Dead, de Christian Petzold
-Dreileben – Don’t Follow Me Around, de Dominik Graf
-Dreileben – One Minute of Darkness, de Christoph Hochhäusler
-Ekpyrosis, de Nikolas Klement
-Elena, de Petra Costa
-The End of Time Suiza, de Peter Mettler
-Eu receberia as piores notícias dos seus lindos lábios, de Beto Brant y Renato Ciasca
-Far from Afghanistan, de John Gianvito, Travis Wilkerson, Jon Jost y otros
-La Fille de nulle part, de Jean-Claude Brisseau
-Fogo, de Yulene Olaizola
-Il futuro, de Alicia Scherson
-Gebo et l’ombre, de Manoel de Oliveira
-Il Gemello, de Vincenzo Marra
-La gente del río, de Martín Benchimol y Pablo Aparo
-Gerhard Richter – Painting, de Corinna Belz
-Giuseppe Tornatore – Ogni film un’opera prima, de Luciano Barcaroli y Gerardo Panichi
-Gold, de Thomas Arslan
-The Great North Korean Picture Show, de Lynn Lee y James Leong
-La guerra dei vulcani, de Francesco Patierno
-Gypsy Davy, de Rachel Leah Jones
-Hannah Arendt, de Margarethe von Trotta
-Harbour of Hope, de Magnus Gertten
-Harry Dean Stanton: Partly Fiction, de Sophie Huber
-Hula and Natan, de Robby Elmaliah
-I Catch a Terrible Cat, de Rikiya Imaizumi
-Inori, de Pedro González-Rubio
-Jack and Diane, de Bradley Rust Gray
-Japan’s Tragedy, de Masahiro Kobayashi
-Kern, de Veronika Franz y Severin Fiala
-The Lebanese Rocket Society, de Joana Hadjithomas y Khalil Joreige
-Like Someone in Love, de Abbas Kiarostami
-Locaciones: Buscando a Rusty James, de Alberto Fuguet
-Mai morire, de Enrique Rivero
-Mapa, de León Siminiani
-Marina Abramovic: The Artist Is Present, de Matthew Akers
-Materia oscura, de Massimo D’Anolfi y Martina Parenti
-Meeting Leila, de Adel Yaraghi
-Mekong Hotel, de Apichatpong Weerasethakul
-Method to the Madness of Jerry Lewis, de Gregg Barson
-Mold, de Ali Aydin
-Le Monde est comme ça, de Fernand Melgar
-More Than Honey, de Markus Imhoof
-Much Ado About Nothing, de Joss Whedon
-Museum Hours, de Jem Cohen
-My Afghanistan – Life in the Forbidden Zone, de Nagieb Khaja
-Not in Tel Aviv, de Nony Geffen
-La Nuit d’en face, de Raúl Ruiz
-Orléans, de Virgil Vernier
-Outrage Beyond, de Takeshi Kitano
-Ouvir o rio: Uma escultura sonora de Cildo Meireles, de Marcela Lordy
-Paradise: Love, de Ulrich Seidl
-Paradise: Faith, de Ulrich Seidl
-Paradise: Hope, de Ulrich Seidl
-La Paz en Buenos Aires, de Marcelo Charras
-The Persian Crocodile, de Houchang Allahyari y Maziyar Moshtagh Gohary
-La plaga, de Neus Ballús
-Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas
-Radiografía del desierto, de Mariano Donoso
-Radioman, de Mary Kerr
-Rafaela, de Raúl Beceyro
-Reconversão, de Thom Andersen
-La república perdida, de Miguel Pérez
-Romance Joe, de Kwang-kuk Lee
-The Shine of Day, de Tizza Covi Rainer Frimmel
-Sleepless Nights Stories, de Jonas Mekas
-Sofia’s Last Ambulance, de Ilian Metev
-Soft in the Head, de Nathan Silver
-O som ao redor, de Kleber Mendonça Filho
-Starlet, de Sean Baker
-Tabula rasa, de Jonathan Perel
-Tango de una noche de verano, de Viviane Blumeschein
-Three Sisters, de Bing Wang
-La toma, de Sandra Gugliotta
-TPB AFK: The Pirate Bay Away From Keyboard, de Simon Klose
-Una familia gay, de Maximiliano Pelosi
-Vegetative Love, de Dror Shohet
-Vic+Flo ont vu un ours, de Denis Côté
-Vida Extra, de Ramiro Ledo Cordeiro
-Vidrios, de Ignacio Bollini y Federico Luis Tachella
-Volar, de Carla Subirana
-War Matador, de Avner Faingulernt y Macabit Abramson
-Warren Ellis: Captured Ghosts, de Patrick Meaney
-Winter, Go Away!, directores varios
-You Make Me Feel So Young, de Zach Weintraub
-Z.U.G.A., de Eduardo López López
-Act of Faith, de Mitch Jenkins
-Jimmy’s End, de Mitch Jenkins
-A Little Suicide, de Ana Lily Amirpour
-Buenos días resistencia, de Adrián Orr
-The Capsule, de Athina Rachel Tsangari
-Carbon, de Craig Webster
-Dad, Lenin and Freddy, de Rinio Dragasaki
-Joyful Girl, de Chloe Domont
-Jury, de Dong-ho Kim
-La madre, de Jean-Marie Straub
-Le Marin masqué, de Sophie Letourneur
-Misterio, de Chema García Ibarra
-As ondas, de Miguel Fonseca
-Ovos de dinossauro na sala de estar, de Rafael Urban
-Resistente, de Renate Costa y Salla Sorri
-Twenty Little Films, directores varios
-Enjoy Yourself, de Gastón Solnicki
-Abscission (Vaginale VI), de Kurdwin Ayub
-Adele 1, de Kurdwin Ayub
-Family Holiday, de Kurdwin Ayub
-Katzenjammer, de Kurdwin Ayub
-Hasenzahn, de Kurdwin Ayub
-Katzenhimmel, de Kurdwin Ayub
-Langsam Reiten Cowboy, de Kurdwin Ayub
-Summer Holiday (Vaginale VII), de Kurdwin Ayub
-Dear Nonna: A Film Letter, de Tiziana Panizza
-Remitente: Una carta visual, de Tiziana Panizza
-Al final: La última carta, de Tiziana Panizza
-Mouth Wide Open, Ears Shut Tight, de Tom Madar y Emlly Noy
-Nyosha, de Liran Kapel y Yael Dekel
-Strings, de Lior Golan y Tal Arbiv


MÚSICA

-Amor crónico, de Jorge Perugorría
-La banda que buscó el sonido debajo, de James Schneider y Benjamín Echazarreta
-Big Easy Express, de Emmett Malloy
-De occulta philosophia, de Daniel V. Villamediana
-Imágenes paganas, de Sergio Cucho Costantino
-In Search of Blind Joe Death – The Saga of John Fahey, de James Cullingham
-Ingrid Caven: Musique et voix, de Bertrand Bonello
-Kidd Life, de Andreas Johnsen
-Last Shop Standing: The Rise, Fall and Rebirth of the Independent Record Shop, de Pip Piper
-No tengo nada, de Álvaro Cifuentes
-Oh Yeah, She Performs!, de Mirjam Unger
-Paul Williams Still Alive, de Stephen Kessler
-Peaches Does Herself, de Peaches
-The Punk Syndrome, de Jukka Kärkkäinen y J-P Passi
-Re:Generation Music Project, de Amir Bar-Lev
-Shut Up and Play the Hits, de Dylan Southern y Will Lovelace
-Something from Nothing: The Art of Rap, de Ice-T
-Taller de flamenco, de Alfonso Camacho
-Turning, de Charles Atlas


VANGUARDIA Y GÉNERO – RETRO

-La casa del sol naciente, de Samuel Fuller
-Tell Me Lies, de Peter Brook
-Al fin llegó el amor, de Peter Bogdanovich
-El rey de la comedia, de Martin Scorsese
-El club de los cinco, de John Hughes
-La mosca, de David Cronenberg
-Sobreviven, de John Carpenter
-Plaga zombie, de Pablo Parés y Hernán Sáez
-Zona mutante, de Pablo Parés y Hernán Sáez
-Revolución tóxica, de Pablo Parés y Hernán Sáez
-The Silent Star, de Kurt Maetzig
-Eolomea, de Herrmann Zschoche
-In the Dust of the Stars, de Gottfried Kolditz
-Cine experimental – Museo del Cine


RETROSPECTIVA ADOLFO ARISTARAIN

-La parte del león
-La playa del amor
-La discoteca del amor
-Tiempo de revancha
-Últimos días de la víctima
-Un lugar en el mundo
-La ley de la frontera
-Martín (Hache)
-Lugares comunes
-Roma


RETROSPECTIVA JÚLIO BRESSANE

-O anjo nasceu
-Matou a família e foi ao cinema
-A família do barulho
-O Monstro Caraíba – Nova história antiga do Brasil
-O gigante da América
-Tabu
-Brás Cubas
-Sermões – A história de Antônio Vieira
-O mandarim
-Miramar
-São Jerônimo
-Dias de Nietzsche em Turim
-Filme de amor
-Cleópatra
-A erva do rato
-Rua Aperana 52
-O batuque dos astros


RETROSPECTIVA HONG SANG-SOO

-The Day a Pig Fell into a Well
-The Power of Kangwon Province
-Virgin Stripped Bare by Her Bachelors
-Turning Gate
-Woman Is the Future of Man
-Tale of Cinema
-Woman on the Beach
-Night and Day
-Like You Know It All
-Visitors: Lost in the Mountains
-Hahaha
-Oki’s Movie
-The Day He Arrives
-In Another Country
-Nobody’s Daughter Haewon


ABRIENDO CAMINOS – VANGUARDIA AUSTRÍACA

-Film Is. 1 – Movement and Time, de Gustav Deutsch
-Schönberg, de Sabine Hiebler y Gerhard Ertl
-Yes? Oui? Ja?, de Thomas Draschan
-Mirror Mechanics, de Siegfried A. Fruhauf
-Subrosa, de Karoe Goldt
-Arnulf Rainer, de Peter Kubelka
-Birth of Venus, de Moucle Blackout
-Sunset Boulevard, de Thomas Korschil
-Wisla, de Josef Dabernig
-Body Politics
-Instructions for a Light and Sound Machine, de Peter Tscherkassky
-Quadro Austria, de Lotte Schreiber
-Besenbahn, de Dietmar Offenhuber
-Humanic Spot – Cubes 1, de Axel Corti
-John Lautner – The Desert Hot Springs Motel, de Sasha Pirker
-Void.Seqz 5, de Annja Krautgasser
-Humanic Spot – Cubes 2, de Axel Corti
-Hyperbulie
-Random Austria, de Marc Adrian
-Chronomops, de Tina Frank
-Humanic Spot – Cubes Again, de Axel Corti
-The_future_of_human_containment, de Michaela Schwentner
-Sea Concrete Human (Malfunctions #1), de Michael Palm
-Machination 84, de Lia
-Alone. Life Wastes Andy Hardy, de Martin Arnold
-Borgate, de Lotte Schreiber
-Outer Space, de Peter Tscherkassky
-Film ist. 7 – Komisch, de Gustav Deutsch
-Mosaik Mécanique (Notes on Film 03), de Norbert Pfaffenbichler
-Picture Again, de Linda Christanelli
-The Quick Brown Fox Jumps Over the Lazy Dog, de Johann Lurf
-Hernals, de Hans Scheugl
-Byketrouble, de Carola Dertnig
-Pièce touché, de Martin Arnold
-Nach “pièce touchée”, de Albert Sackl
-Hotel Roccalba, de Josef Dabernig
-Bodybuilding, de Ernst Schmidt Jr.
-Livingroom, de Sabine Hiebler Gerhard Ertl
-Danke, es hat mich sehr gefreut, de Mara Mattuschka
-L’Arrivée, de Peter Tscherkassky
-Luukkaankangas, de Dariusz Kowalski
-Mir mig men, de Karø Goldt
-Perfekt 2 – Tacoma, Washington, de Dietmar Brehm
-Film – An Exercise in Illusion II, de Lisl Ponger
-Adjunct Dislocations
-15/67 TV, de Kurt Kren
-Alpine Passage, de Michaela Schwentner
-Vertigo Rush, de Johann Lurf
-Neon Austria, de Nik Thoenen y Timo Novotny
-Legal Errorist, de Mara Mattuschka y Chris Haring
-Spitting, de Friedl vom Gröller, Maria Lassnig
-Kantate , de Maria Lassnig y Hubert Sielecki
-Pullover, de Günter Brus
-8/64 Ana – Aktion Brus, de Kurt Kren
-November, de Hito Steyerl
-Copy Shop, de Virgil Widrich
-Exposed, de Siegfried A. Fruhauf
-Adebar, de Peter Kubelka
-Schwechater, de Peter Kubelka
-Iris Austria, de Maria Lassnig
-Le Barométre, de Friedl vom Gröller
-Famous Viennese Women Naked: The History of the Pin-Up, de Ernst Schmidt Jr.
-TV + VT Works, de Peter Weibel
-Close Your Eyes, de Billy Roisz
-Mann & Frau & Animal
-22/69 Happy End, de Kurt Kren
-NS Trilogie Part II: Gefühl Kazet, de Linda Christanell
-NightStill, de Elke Groen
-Art & Revolution, de Ernst Schmidt Jr.
-55/95, de Gustav Deutsch
-A Third Reich, de Alfred Kaiser
-Tito-Material, de Elke Groen
-Cityscapes, de Michaela Grill y Martin Stiewert
-20/68 Schatzi, de Kurt Kren
-6/64 Mama und Papa, de Kurt Kren
-Body Trail, de Michael Palm y Willi Dorner
-Forst, de Ascan Breuer, Ursula Hansbauer y Wolfgang Konrad
-Somewhere, Late Afternoon, de Ella Raidel
-On Those Evenings, de Herbert Vesely
-East Africa, de Dietmar Brehm
-Sun Stop!, de Ferry Radax
-Key West, de Thomas Aigelsreiter
-Film ist. 9 – Eroberung, de Gustav Deutsch
-Passages, de Lisl Ponger
-Our Trip to Africa, de Peter Kubelka


PAIS INVITADO: CHILE (IGNACIO AGÜERO)

-No olvidar
-Como me da la gana
-Cien niños esperando un tren
-Sueños de hielo
-Aquí se construye (o Ya no existe el lugar donde nací)
-La mamá de mi abuela le contó a mi abuela
-El diario de Agustín
-El otro día
-Qué historia es esta y cuál es su final, de José Luis Torres Leiva


PAIS INVITADO: CHILE (ERNESTO DIAZ ESPINOZA)

-Kiltro
-Mirageman
-Mandrill


FOCO ERICH LANGJAHR

-Men in the Ring
-Shepherds’ Journey into the Third Millenium
-Saga – A Film About
-My First Mountain


FOCO LOIS PATIÑO

-Paisaje-Duración (Carretera / Rocas)
-Montaña en sombra
-En el movimiento del paisaje
-Na vibración
-Costa da norte


FOCO LUX

-Falls Burns Malone Fiddles, de Duncan Campbell
-Bernadette, de Duncan Campbell
-Make It New John, de Duncan Campbell
-Arbeit, de Duncan Campbell
-Belfast Trio, de Redmond Entwistle
-Monuments, de Redmond Entwistle
-Walk-Through, de Redmond Entwistle
-A Study of Relationships Between Inner and Outer Space, de David Lamelas
-Berlin Horse, de Malcolm Le Grice
-The End, de Patrick Keiller
-London Suite, de Vivienne Dick
-Woolworths Choir, de Elizabeth Price


FOCO BAFICI + FIPRESCI x 15

-El amor (primera parte), de Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre
-El árbol, de Gustavo Fontán
-Bonanza, de Ulises Rosell
-El estudiante, de Santiago Mitre
-Historias extraordinarias, de Mariano Llinás
-La libertad, de Lisandro Alonso
-M, de Nicolás Prividera
-Modelo 73, de Rodrigo Moscoso
-Mundo Grúa, de Pablo Trapero
-Pacto de silencio, de Carlos Echeverría
-Parapalos, de Ana Poliak
-Los salvajes, de Alejandro Fadel
-Silvia Prieto, de Martín Rejtman
-Süden, de Gastón Solnicki
-Tan de repente, de Diego Lerman


CINEASTAS DEL PRESENTE

-Jean Vigo, de Jacques Rozier
-Jean Renoir le patron: La règle et l’exception, de Jacques Rivette
-Jerry Lewis (partie 1), de André S. Labarthe
-John Cassavetes, de André S. Labarthe y Hubert Knapp
-Conversation avec George Cukor, de André S. Labarthe y Hubert Knapp
-Busby Berkeley, de André S. Labarthe y Hubert Knapp
-Jean-Pierre Melville, de André S. Labarthe
-David Lynch: Don’t Look at Me, de Guy Girard
-The Scorsese Machine, de André S. Labarthe


COMPETENCIA DE CORTOS

-9 vacunas, de Iair Said
-Aguamadre, de Lucía van Gelderen
-Corea, de Melina Serber
-La esencia sonora de la sombra, de Nadina Marquisio
-Going Places, de Sebastián Elsinger
-Hijas del río, de Segundo Arregui
-Horror Vacui, de Florencia Aliberti
-Ludmila en Cuba, de Luis Ortega
-Mañana todas las cosas, de Sebastián Schjaer
-La mujer perseguida, de Jerónimo Quevedo
-Nueva de Fujian, de Analía Orfila
-Paisaje, de Matías Umpiérrez
-El pasito de onda, de Guillermina Pico
-La playa de México, de Gastón Margolin y Martín Morgenfeld
-El rey de España, de Martín Mainoli
-Un día, de Germán Ruiz
-Un sueño recurrente, de Santiago Esteves
-Y si no es mañana, de Martín Schuliaquer
-Yo y Maru, de Juan Renau
-Las calles de mi ciudad, de Lucía Salazar


MUESTRA DE CORTOS – DOCUMENTALES

-Caspinchango, de Paulo Gabriel Burgos
-Conversation Piece, de Gabriela Golder
-Domingos, de Germán Ruiz
-Imaginario, de Jeymer Gamboa
-¿Quién planifica a quién?, de Gabriel Muro


MUESTRA DE CORTOS – COMEDIA

-Algo más, de Madeleine Emery y Martina López Robol
-El año pasado en Mardelplá, de Santiago Korovsky y Celeste Contratti
-Charlas de Taj Mahal, de Grupo Hacia Asia
-Estación Zombi, de Javier Ferrería
-El último asado, de Julen Laburu
-Una parte, de Ignacio Sánchez Mestre
-Velleza, de Luis Menjura
-La verdad de la milanesa, de Javier Rodríguez y Agustín Alcaraz


+ info en www.bafici.gov.ar

"La historia de Caicedo, es la historia de una persona seducida por la cultura popular, por las calles y sus pandillas"
Un viernes frío en la ciudad de Buenos Aires, La Manzana de Las Luces se erige como un paisaje ladrilloso a tono, sincrónico, de ese tiempo frío y a las puertas del otoño. Allí nos encontramos con Álvaro Cifuentes, quien junto a Francisco Forbes, realizó Noche Sin Fortuna (2010). El documental, se centra en la obra del colombiano Andrés Caicedo (1951-1977), ese joven y flaco pelilargo con anteojos que muchos incluyen en la lista de artistas malditos con su final elegido a los 25 años pero que fue principalmente un crítico cinéfilo, lector y escritor voraz.

“Noche sin fortuna”, toma su nombre de uno de los escritos que dejó Caicedo en 1976. Entre su itinerario en festivales, se cuentan el Festival de Cine de Cali, el de Toulouse, el Festival Internacional de Cuba, el Festival de Cine Documental de Berlín, el Festival Internacional de Cine Documental de Santiago de Chile (donde ganó el primer premio) y en Argentina se pudo ver en el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), en el cine Cosmos, Cosquín y el Festival de Cine Latinoamericano de La Plata (FEESALP).



Álvaro empieza nombrando al documental que de algún modo y por ser el primero, es precedente en tomar a Caicedo como tema cinematográfico. “Unos pocos buenos amigos” data de 1986 y fue realizado por Luis Ospina, quien junto con Carlos Mayolo y Caicedo, formaban parte del Grupo de Cali, esa pequeña ciudad de Colombia ebulliciente de todo, pero más que nada de cine y de salsa, tanto que en la década del 80 varios artistas empezaron la empezaron a nombrar   "Capital Mundial de la Salsa”. EL Grupo de Cali, con las figuras principales de Caicedo, Ospina y Carlos Mayolo editó durante los 70, la revista de crítica cinematográfica Ojo al cine, impulsó el Cine Club de Calí y fue realizador de cinco producciones (Acto de fe, Agarrando pueblo, Angelita y Miguel Ángel, Asunción y Oiga vea).

“No se necesitan grandes herramientas o una gran infraestructura para hacer una película, con amigos que den una mano, una computadora, cámaras, que se pueden alquilar”, ése es un poco el legado de la pelicula Noche sin fortuna, dice Cifuentes y cuenta que la idea nació cuando estaba con un amigo de vacaciones en Cali. Ambos fanáticos de Caicedo. Allí contactaron a los amigos de Caicedo y se hundieron en el material de archivo.  Lo que le da singularidad a este documental con respecto a su precedente, quizás sea un vuelo menos tradicional y más artístico en el hacer documental. Así conjugan un interesante entramado de textos de Caicedo, ese juego  visual y narrativo de usar las películas que Caicedo miraba, la voz de unos de los realizadores y de un amigo locutor que saben llevar el relato y lo que seguramente sea uno de sus mayores logros, la realización del guión cinematográfico que Caicedo dejó pero nunca se había llegado a filmar. “Los amantes de Suzie Bloom”, un corto que a la manera de Jules et Jim, narra  un triángulo amoroso pero en clave de western. El “storyboard”, son dibujos hechos por Marina Fajes, amiga de los realizadores, que fueron cortados artesanalmente y luego trabajadas en el corto con un programa de edición.



De pronto, Álvaro nombra a los chicos. Clarisol y Guillermito, los enigmáticos nenes precoces (aparecen nerviosos y fumando, hablando de sexo y drogas, contestando a unas preguntas que Álvaro nos aclara, son de las que solían hacer en las clínicas psiquiátricas de la época, donde el electroshock era la terapia más frecuente)  que aparece en un corto llamado Angelitos Empantanados y que se retoma en Noche sin fortuna.  “Clarisol vive en Barcelona, tiene una hija”, dice que está cambiada, asentada, cuando la mayoría que la vea a través de esa filmación en blanco y negro, con algo más de diez años piensa que esa niña, si vive, estará internada o sumida en los vestigios de una infancia convulsa, peleada para siempre con la idea de la sociedad y la adultez.





Es imposible no hablar del mito de Caicedo. Ésa será una parte, quizás la más difundida, la  que atrae a muchos jóvenes y que alimenta ese espíritu generacional de querer morir antes de envejecer (en palabras de Caicedo, “vivir más de 25 años, es una vergüenza”) pero no la única. “Hay una cuestión de clase alta, a la que pertenecían Caicedo y sus amigos. Todos ellos fueron muy importantes en el mundo del arte”, cuenta Cifuentes. Carlos Mayolo murió, Ospina sigue, algunos siguieron y otros prefirieron terminar en el bardo.

“Cali en los 70 era conservadora y una ciudad chica, estaba el auge de las drogas y la influencia de Estados Unidos!, dice Álvaro. “Siempre seguirán apareciendo nuevas generaciones que lo descubran”, sostiene y explica que lo que intentan transmitir con la película, es lo que les pasaba, esa sed de conocer más y más.

“Él era muy buen escritor, tiene textos sobre cine muy acertados, no tiene valor sólo porque se haya suicidado”, dice respecto de ese culto que obtura una única visión de joven oscuro suicida. La historia de Caicedo, cuenta Álvaro, es la historia de una persona seducida por la cultura popular, por las calles y sus pandillas, la música, de alguien que sale de un mundo y conoce otro. “Las vanguardias son efímeras, también el punk, vital, potente, se acaba rápido. Ese ritmo no se puede mantener, termina siendo autodestructivo. Es un modelo generacional de rebeldía, contra familia, contra sociedad que se pone de moda durante ciclos cortos. A mí me agobia leer seguido la literatura de Caicedo” y agrega que ahora no se identifica plenamente con ese discurso que antes lo había atraído tanto. “Fui más fanático de Caicedo de lo que soy ahora, su producción literaria me parece importante.”

Parece que todo lo que escribió fue hecho para ser publicado, para un futuro, no sólo como escritos a su familia o amigos más cercanos, es la atinada observación de Cifuentes.  Como si Caicedo hubiera tejido el camino hacia el mito, ese camino llega hasta el punto de que su novela “Que viva la música” (1977), se lee en los colegios de Cali.

”Nuestra idea fue introducirlo también. No nos esperábamos la repercusión que tuvimos”, dice.  ¿Qué quedó pendiente o que vendrá, a partir de Noche sin fortuna? Quedó un 90% de material registrado, entrevistas, que no se usaron y que, opina Álvaro, le gustaría subir para cerrar el ciclo con la película. “Algo que personalmente hubiese querido destacar en la película y que se desprende de la lectura de ¡Que viva la música! es la importancia del componente musical-cultural por una parte con el rock pero fundamentalmente en la salsa como parte esencial de la forma de vida que ellos planteaban. La salsa era una manifestación contracultural y para mi en el grupo de Cali era equivalente al jazz para los poetas beats norteamericanos.
Es la banda sonora de una época y acompaña el manifiesto de vida de esa época, esa contracultura antimperialista y antisistema que después fue absorbida. Rescatar el espíritu de la música y de la salsa en particular no como siempre se lo asocia al ideario de la joda y de lo comercial, con una mirada superficial”.


+ info en big-sur.com.ar/noche.html

Cuarto Rojo sigue ahondando en el mundo de las productoras independientes. Esta vez, charlamos con los integrantes de Ballena Negra a propósito de BAGS, su primer largometraje de terror.

"LA IDEA ES CREAR UN MUNDO, QUE NO SEA ALGO COTIDIANO, EN ESTE PUEBLITO HAY UN MAL QUE VIVE EN EL BOSQUE QUE ESTÁ REPRESENTADO POR BAGS, EL ASESINO".

Tarde fría y gris en San Telmo, donde se encuentra la productora Ballena Negra y sus integrantes. Cuando estamos frente a frente, decidimos empezar por el principio, e indagar como se definen: “Somos una productora independiente, nos llamamos Ballena Negra, hace seis años venimos haciendo cosas de manera totalmente independiente, por ese lado venimos” dice Matías Luminoso, director de la película.

“Lo primero que había era el género terror, eso fue lo que realmente nos unió y somos todos más o menos de la generación de Jason, Freddy, los ochenta, la segunda ola de terror grande. Y haciendo el corto “Plan zombie mutante”,  ahí los conocí yo” dice Lucas, el productor, y agrega “fui a visitar a ver qué onda y me quedé enganchado”.

Plan zombie mutante fue estrenado en el BARS en el 2006, “estuvo por todos lados, en realidad es un mediometraje, siempre se nos van los tiempos, siempre queremos hacer un poco más”, comenta Lucas.

“A partir de ese momento empezaron a surgir videoclips, laburos, cosas, para juntar plata y terminar la película. De todos los laburos hacemos un fondo común y de ahí la financiamos” dice Bruno, director de Fotografía, echando luz sobre una forma de autogestión solidaria y colectiva que caracteriza  en general a las producciones independientes.

“En el cine independiente todos hacemos un poco de todo, vamos editando a la vez que vamos armando entre todos. Somos nosotros tres y Santiago Masco, un chico de Adrogue, que nos hace sonido, igual tenemos una gente atrás que se copó con el proyecto y nos viene dando una mano”, agrega sobre este tema.


¿Cómo surge BAGS?

Matías: Arrancamos con algo muy chiquito que era un corto, lo empezamos a filmar primero en Longchamps,  porque pegamos una casa por ahí pero después yendo a buscar el bosque nos dimos cuenta que estaba todo. Empezamos de vuelta y cuando vimos como estaba quedando decidimos arriesgarnos por el largo.  En ese momento apareció un amigo Hernán Tranquillo, que es el que baja toda la locura al papel, un chabón súper ágil, él fue quien finalmente le dio forma, unió todo y se agrando todo, aparecieron diez mil personajes. Hace un montón que venimos pero el cine independiente es así.

Bruno: Todavía falta una buena parte, todo lo que filmamos fue una matanza o escenas separadas, lo que nos esta faltando es una continuidad, queda juntar la plata para poder producir todo y ahí hacer todo de un tirón.


¿De qué se trata?

Matías: Es la historia de un asesino serial que vive en un pueblito rural, la idea es crear un mundo, que no sea algo cotidiano, en este pueblito hay un mal que vive en el bosque que está representado por BAGS que es el asesino. Hay un disparador que es la desaparición de Wendy que es la novia de uno de los cabecillas que están en el pueblo, sale esta cosa de ir a buscarlos porque la policía no hace nada y las autoridades no se meten mucho y bueno después hay toda una vuelta de tuerca en el final que no te la esperas.

Tiene mucho guiño de las películas que nos gustaban a nosotros, bah, que nos gustan todavía, hacer algo representando a todas esas pelis, hacer algo teniendo en cuenta el valor de esas pelis.


¿Quién es BAGS? 

Matías: Con el plan de Jason, Ed Gein, Michael Myers , pensamos un poco a BAGS como un tipo que sea una especie de ícono. Es una mezcla entre todos pero también es él, juega con las víctimas, es bastante morboso en ese sentido. Muchas pelis del cine independiente le escapan a los efectos para no caer en lo bizarro, en nuestro caso tenemos una matanza, un corte de brazo. Es bastante colorido por ese lado pero tiene ese lado medio oscuro, eso lo distingue un poco del resto de los serial killers. Es una historia en donde los malos no son tan malos y los buenos no son tan buenos. Es medio retrasado, disfruta del dolor nada más. Nuestro propósito es generar terror en el espectador, con muchas películas clase B te termina pasando que te cagas de risa, por eso queremos escapar un poco de ese estigma, y propiciar ambientes de tensión e incomodidad. ¡No vayas para ahí! Llegar a generar ese clima, larguemos la peli y que se expanda, y llegar hasta donde más se pueda…Igual el primer objetivo es terminarla.


¿En dónde están filmando? 

Lucas: Pegamos un hogar-escuela en Ezeiza, que vendrian a ser como nuestros estudios porque hacemos todo ahí. Una especie de campo gigante son como siete u ocho hectáreas”, dice Matías.  “Hay todo un bosque y edificios que quedaron de la época de Evita cuatro o cinco y solo usan tres, hay dos que están abandonados, y ahí filmamos dos videoclips.

Matias: Solamente filmamos en invierno por una cuestión estética, el bosque adopta un aire más tétrico, que es justamente lo que nosotros buscamos, que no sea todo verde. Arrancamos ahí, empezamos con todo el proyecto, ellos lo mandaron a una entidad pública y nos dieron el ok”, dice Matías y agrega, “es un hogar-escuela en el que hay como 300 nenes y nosotros vamos y les llevamos galletitas. Tuvimos un par de historietas en ese lugar, una vez construímos un cementerio que nos olvidamos de desarmar y dió la casualidad que una nena del hogar murió de neumonía , entoncés los nenes pensaban que estaba enterrada ahí.  Casi se nos cae la peli, nos querían matar, del instituto llamándonos – ¡no vengan nunca más! ¡Vengan a desarmar esto!”

Bruno: Es todo bastante artesanal la idea es crear un mundillo, no es Buenos Aires, ni Londres, es un lugar fuera del mundo, pero a la vez pertenece, respeta la vida real, tampoco da indicaciones de época, ni de tiempo, es totalmente atemporal, para que sea más verosímil lo que estás viendo.


¿Los actores son amigos, conocidos o actores profesionales?

Lucas: Los actores los elegimos a través de un casting, algunos van apareciendo y se van sumando. Ahora mismo con el tema de los videoclips estamos conociendo gente nueva que se puede llegar a sumar para la película y también no perdes continuidad de laburo, porque laburar, filmar cinco meses, cuando volves ya estás en otra no tenes el mismo ritmo y también vas conociendo a la gente que va laburando con vos, cuando decís todo el mundo se quiere sumar pero después vemos si suma o no suma. Aparte hay que ver si les gusta, juegan un montón de factores, el equipo está, solo falta juntar un poco de plata para poder producir, el vestuario, los efectos, la movilidad de la gente, porque si bien es independiente los actores no cobran, pero al llevarlos a filmar no los podemos dejar tirados en la autopista, mover los equipos, todo es plata si empezas a filmar.


¿Cómo trabajan a la hora de encarar los videoclips?

Bruno: El tema de los videos va más por el lado de la ficción, preservamos el clima, no tanto como el terror, la ficción es mucho más colorida a la hora de contar.

El videoclip es algo que une las dos cosas que más nos gustan, la música y el videoclip. Armamos historietas, no queremos que solamente veas a la banda tocando, la mayoría son historias medias fantásticas, siempre estamos en la búsqueda de crear un mundo.

Es decir, que no sea lo que dice la letra y que vaya por otro lado aprovechamos la imagen para contar lo que nosotros queríamos pero sin pasarnos.

Tenemos la idea, tenemos la letra, tratamos de capturar la imagen a nuestra manera, es como una interpretación libre de lo que ellos van tocando. Nos juntamos con los chicos, vemos que onda tienen y buscamos algo que los pueda identificar.

Eso por lo general se habla mucho antes de empezar a filmar con las bandas, nosotros proponemos ideas, pero teniendo en cuenta también lo que ellos proponen.


¿Ya se pudo ver algún adelanto de la peli?

Estamos pensando en pasar un adelanto, hay una escena que armamos que mandamos al Work in progress del Bafici, eso nos sirvió para terminar de armar un poco la historia, igual ahí era figurita difícil.





¿Cuándo comienzan el rodaje de este año?

Bruno: En invierno, cuando se caigan todas las hojas de los árboles. Además del predio de Ezeiza hay otras locaciones, estamos filmando en mi casa, estábamos viendo también una comisaría, después algún que otro bar y una casa donde viviría el protagonista que es el novio de esta chica.
Buscamos esa cosa que sea un lugar de años, por eso está bueno hacer un buen laburo de pre y llegar ahí y ensayar toda la previa de la película para lanzarnos a filmar.


¿Quién se encarga de la edición y del armado de la escenografía?

Lucas: Nosotros la vamos montando, esto es todo entre todos, lo vamos puliendo y lo vamos editando, es un poco la idea hacerlo nosotros lo más que podamos, lo hacemos nosotros y vamos aprendiendo a la vez que lo vamos haciendo.


¿Cuál va a ser el camino de BAGS una vez terminada?

Bruno: Primero moverla por todos los festivales, aparecer dentro del mercado y ver que se puede conseguir hacer otro tipo de proyectos que no lleven tanto tiempo. Porque en definitiva  la idea es poder vivir de hacer lo que nos gusta, vivir de esto.

La idea es tratar de mantener siempre una estética, seguir una línea, eso también nos va a ayudar para crecer como productora seguir filmando películas pero la idea es vivir de esto.


¿Hay otros proyectos además de BAGS?

Lucas: BAGS es como una piedra en el zapato desde hace muchos años. Nosotros no nos queremos meter en otros proyectos para meterle pila a este, si no cambia toda la peli, hay que buscar otros actores, más gente, también se va fortaleciendo el equipo.

Hay otras ideas para hacer otras pelis y otras cosas, hay ideas el tema es que también tenemos que terminar esto, la tenemos por la mitad y hay que terminarla. Podemos meter algún corto en el medio, tampoco nos podemos embarcar a hacer otra peli u otra cosa, es como un puntapié después ver si funciona y después capaz hacerlo de otra manera.

A diferencia de otras productoras que deciden realizar varios proyectos a la vez, los Ballena están decididos a terminar su primer largometraje. A lo largo de esta nota, además de conocer un poco más a fondo su forma de trabajar pude visualizar la escena que fue enviada al Bafici Work in Progress, francamente es una lástima que no hayan ganado esa categoría, porque allí es notable, la calidad que va adquiriendo la película.
El silencio invade completamente la habitación, en ella se puede vislumbrar a un BAGS de movimientos lentos con sus víctimas aterrorizadas, disfrutando de ese espectáculo burlesco. Es en este punto donde se hace presente  la tensión que mencionaban antes, esta muy bien lograda de la mano de un villano ambiguo, que amenaza con una agujereadora a una de sus victimas pero sin embargo, nunca llega a lastimarla pareciera que llega a un punto álgido y se detiene sin ninguna razón.

Cuando finaliza la escena se los puede ver contentos con su trabajo, “la película podría terminar mañana, pero por apurarnos no queremos perder la calidad del material que tenemos”, sintetiza Lucas.


+ info en ballenanegraweb.wix.com/films y bagsthemovie.blogspot.com.ar

El día miércoles 27 de febrero, finalizó el primer festival de cine turco (BACT), que tuvo como escenario las salas del espacio Incaa Arte Cinema. La película seleccionada para cerrar este ciclo fue Yeralti (Subsuelo) de Zeki Demirkubuz. Pero antes de que se realizara la proyección el público tuvo la oportunidad de deleitarse con la presencia de músicos invitados. Entre ellos estaba Mehmet Serkan Yilmaz, compositor, guitarrista, arreglador, de origen turco y radicado en la Argentina. La música, ayudó a los espectadores a transportarse fugazmente por fuera de esa sala y a la vez hacerlos sentir un poco más cerca de Turquía. Luego de esos seis días, el público llegó a sentir una empatía muy grande, las historias de aquellas películas supieron impregnarse en los que asistían, muchos de los cuales fueron casi a diario.


Zeki Demirkubuz, realizador de Yeralti (Subsuelo) es uno de los directores más influyentes del cine turco, con una amplia fimografía. Durante la década de los 90 se cuentan C Blok ("Bloque C", 1994), Masumiyet ("Inociencia", 1997) y Üçüncü Sayfa ("La tercera página", 1999). En 2001 dirigió Yazgı ("Destino"), a la que le siguió İtira f("Confesión"). Luego, en 2003, llegó Bekleme Odasi ("La sala de espera"), en 2005, Kader  ("Destino"), en 2009 Kıskanmak ("Envidia”) y finalmente la proyectada Yeraltı ("Subsuelo").

La vida de un hombre con sus pensamientos, sus sentimientos, y con su propio oscuridad. Adaptado desde "Notas del Subsuelo" de Dostoievski, Demirkubuz persigue a Muharrem hasta la fiesta de sus amigos donde él no fue bienvenido.



“Subsuelo”, es una película existencialista. Acompañamos al protagonista en sus locuras, sus desquicios, sus frecuentes salidas al prostíbulo y póstumas siestas en el sillón acompañado de alguna botella y una papa, siempre una papa.

Presenciamos sus pensamientos, lo entendemos, lo escuchamos y llegamos incluso a justificarlo en las decisiones que toma, aunque no sean las más adecuadas.

Hasta que finalmente llegamos a la cena con sus ex amigos. El motivo de la celebración es que uno de ellos será premiado en Estambul, Cevat, por su reciente libro. Pero la hostilidad, no dejará de rondar en toda noche, hasta que el protagonista, Muharray, explota y quiere lanzarles la verdad en la cara, acusarlos de hipócritas y deshonestos.

A partir de allí, vemos cómo se derrumba el mundo de Muharray haciéndolo perder la conciencia, pasando del frenesí a la más infinita angustia.

Un relato desconcertante, que deja al espectador con esa incertidumbre que sólo logran los buenos largometrajes, una película para reflexionar, generando empatía con el personaje, con su dolor y su desesperanza. Ese desasosiego, que lo lleva por los abismos de la conciencia hasta el descubrimiento de las más crueles depravaciones humanas.

Con un comienzo accidentado, debido a un problema con los subtítulos, la espera valió la pena. “No me olvides Estambul” es una película admirable, un retrato muy personal con historias pasajeras, de gente común. En ellas sus protagonistas pasan de la alegría al dolor en un ir y venir. Sin embargo, la película esta atravesada por la añoranza y la nostalgia. Compuesta por siete cortometrajes, con una duración de 15 minutos cada uno, que retratan la vida de las personas en aquella ciudad. Historias valiosas, amenas, que traspasan la pantalla grande y logran una identificación muy fuerte con los personajes. La escenografía es uno de sus grandes méritos: basta con mirar los imponentes paisajes que se hacen presentes a lo largo del largometraje, dejando a relucir siempre el mar de Mármara.

No me olvides Estambul (Unutma Beni Istanbul), es una producción de varios directores internacionales. En ella participan Hany Abu-Assad, Stefan Arsenijevic, Aida Begic, Josefina Markarian, Eric Nazarian, Stergios Niziris, Omar Shargawi.

Siete historias, siete miradas, siete idiomas, en una ciudad de siete mil años. La película nos recuerda que Estambul no pertenece solamente a los pueblos de Turquía y que además, visibiliza una deuda pendiente de uno de los directores con su ciudad natal.



“Es importante el film para hablar de la verdad”, expresó Huseyin Karabey, quien se desempeñó como director artístico de la película y ya había hecho su presencia con el film Gitmek: My Marlon and Brando. “Estambul ha sufrido mucho, es por ello que es bueno rescatar las historias verdaderas de la gente, de  personas específicas. Todos sabemos que hubo un genocidio, pero a la vez es bueno poder llegar a lograr empatía de nuestros dolores”, dijo, una vez que termino el film y en respuesta a las preguntas del público.

Entre el jueves 7 y viernes 13 de marzo se llevará a cabo la 5° edición del Festival Internacional de Cine sobre Diversidad Sexual y Género en Buenos Aires.
El cortometraje que abrirá esta edición es "María", de la actriz Mónica Lairana (devenida recientemente con dos trabajos como realizadora) donde se aborda un tema sumamente actual como lo es la problemática de la trata de mujeres con fines de explotación sexual, de forma cruda y realista, centrando la historia en una joven en cautiverio y el correr de sus días en manos de sus clientes, que son su martirio.

María

Lairana ya había hecho su debut en el 2010 como guionista y directora con el cortometraje "La Rosa (ganador del concurso del INCAA Historias Breves VI) seleccionado y proyectado en la 63º edición del Festival de Cine de Cannes, con excelentes críticas y más de 20 premios internacionales recibidos.

www.mariabymonicalairana.blogspot.com



A continuación, te dejamos la lista de cortometrajes, mediometrajes y largometrajes seleccionados para participar en sus respectivas competencias:

Competencia internacional de Cortometrajes:

-Cigarette, de Yair Peri (Israel, 9 minutos, Ficción, (2012)
-Performance Anxiety, de Reid Waterer (EE.UU, 15 minutos, Ficción, 2012)
-Jackie, de José Ignacio Correa (Ecuador, 16 minutos, Ficción, 2012)
-Russian red, de Hernán Gómez (España, 30 minutos, Ficción, 2012)
-Na sua companhia, de Marcelo Caetano (Brasil, 20 minutos, Ficción, 2012)
-En mi cuarto, de Joel Aponte (Puerto Rico, 12 minutos, Ficción, 2011)
-The wrong cat, de Juan José Farías (Argentina, 24 minutos, Ficción, 2011)
-Mon coeur, de Mon Ross (Italia, 10 minutos, Ficción, 2011)
-Bajo el cielo azul, de Martín Salinas (Argentina, 9 minutos, Ficción, 2011)
-La Gran Victoria, de J. G. Hernández (Venezuela, 25 minutos, Ficción, 2012 – Clasifica por Corto Ganador del FESTDIVQ)
-Animal within, de Jaime Fidalgo, (México, 9 minutos, Ficción, 2013)
-Desvelo, de Clarissa Rebouças (Brasil, 15 minutos, Ficción, 2012)
-La dérade, de Pascal Latil (Francia, 13 minutos, Ficción, 2011)
-Silver stiletto, de Luke Mayze (Australia, 16 minutos, Ficción, 2012)
-Love Wars, de Vicente Bonet (España, 4 minutos, Ficción, 2012)


Competencia internacional de largometrajes:

-The sisterhood, de Roger Horn (Sudáfrica, 74 minutos, Documental, 2010)
-Tensión sexual. Volúmen 1: Volátil, de Marcelo Mónaco y Marco Berger (Argentina, 100 minutos, Ficción, 2012)
-Essa maldita vontade de ser pássaro, de Paula Fabiana y Adrián Steinway (Brasil, 90 minutos, Ficción, 2012)
-Fourplay, de Kyle Henry (EE.UU, 80 minutos, Ficción, 2012)
-Mi último round, de Julio Jorquera (Chile, 90 minutos, Ficción, 2010)
-Route of acceptance, de Heather Tobin (Canadá, 112, minutos, Ficción, 2012)
-Other angels, de Emre Yalgın (Turquía, 85 minutos, Ficción, 2010)
-Chuppan Chupai, de Saadar Munir y Saad Khan (Dinamarca, 70 minutos, Documental, 2013)
-Testigos de un tiempo maldito, de Javi Larrauri (España, 85 mimutos, Documental, 2012)
-Home is you, de Aya y Yaelle Shwed (Israel, 60 minutos, Documental, 2012)
Además, el festival de cine internacional sobre Diversidad Sexual y Género de Argentina, dio a conocer su nueva “Sección Competitiva: Panorama Documental”.


Sección competitiva: Panorama documental

En esta nueva sección habrá destacadas producciones documentales de Alemania, Argentina, Brasil, Chile, Colombia, EE. UU, México y Venezuela, el jurado determinará el “Mejor Documental” de la mencionada sección, así como también se entregarán dos “Menciones Especiales” al “Mejor Cortometraje Documental” y al “Mejor Medio o Largometraje Documental”.

Las películas seleccionadas son:

-Zucht und ordnung (Ley y orden), de Jan Soldat (Alemania, 9 minutos, 2012)
-Muñecas blancas, de Julián Cáneva (Argentina, 1 minuto, 2012)
-Aborto clandestino: crucifixión democrática, de Colectivo Elsa Torres (Argentina, 60 minutos, 2011)
-Além das 7 cores, de Camila Biau (Brasil, 20 minutos, 2012)
-El cajón, de Verónica Quense (Chile, 50 minutos, 2012)
-Ex Matías, de Colectivo Miope (Chile, 13 minutos,  2010)
-Traje de caballero, de Francia Rosales Villablanca (Chile, 7 minutos, 2010)
-Putas o peluqueras, de Mónica Moya (Colombia, 50 minutos, 2011)
-Transformer, de Billy Muñeka (Colombia, 8 minutos, 2011)
-El entorno diverso de Sebastián, de Claudia Fonseca (Colombia, 23 minutos, 2011)
-AKA Blondie, de Jon Watts (EE.UU, 50 minutos, 2012)
-Transexual en la tierra de las sonrisas, de Marcos Nelson Suarez (EE.UU, 28 minutos, 2012)
-Para ser… Estética e identidad transexual, de Gustavo Aviña Cerecer (México, 22 minutos, 2011)
-Mesa para seis, de  José Ángel Corona (Venezuela, 22 minutos, 2012)
-Construcción, de Eva Pérez Barreto (Venezuela, 8 minutos, (2012)


Competencia argentina de cortometrajes:

-Las veinte primaveras, de Julia Riva (Argentina, 10 minutos, Ficción, 2011)
-Hoy, de Mariana Avila Llorente (Argentina, 10 minutos, Ficción, 2011)
-Ell = (Ella), de Sheila Coto (Argentina, 10 minutos, Ficción, 2012)
-Enlaces, de Jonatan Villar y Lucas Ruiz (Argentina, 10 minutos, Ficción, 2012)
-Antitesis, de Natalia de la Vega (Argentina, 12 minutos, Experimental, 2011)
-Abrir, de Diego Stickar (Argentina, 3 minutos, Experimental, 2011)
-Pumping, de Teresa Martino (Argentina, 10 minutos, Ficción, 2012)
-Ley pareja, de Fernando Zuber (Argentina, 30 minutos, Documental, 2012)
-Esas mujeres, de Julián Cáneva (Argentina, 1 minuto, Video Minuto, 2010)
-Maldita, de Matías Russin (Argentina, 5 minutos, Ficción, 2011)


Competencia argentina de largometrajes:

-El espacio entre los dos, de Nadir Medina (Argentina, 80 minutos, Ficción, 2012
-Ricardo Becher: Recta final, de Tomás Lipgot (Argentina, 70 minutos, Documental, 2010)
-Las pibas, de Raúl Perrone (Argentina, 65 minutos, Ficción, 2012)
-Ensayo (fragmentos de Sarah Kane), de Marcos Pastor (Argentina, 60 minutos, Documental, 2010)
-Ante la ley, de Emiliano Jelicié y Pablo Klappenbach (Argentina, 140 minutos, Documental, 2012)
-Salida de emergencia, de Mathieu Orcel (Argentina, 60 minutos, Documental, 2011)
-Lunas cautivas. Historias de poetas presas, de Marcia Paradiso (Argentina, 65 minutos, Documental, 2012)
-Salsipuedes, de Mariano Luque (Argentina, 65 minutos, Ficción, 2012)


Participarán 10 cortometrajes y 8 largometrajes conformarán la Sección Competitiva  Argentina de la 5° Edición del Festival Libercine.

Los miembros del Jurado de la mencionada Sección  y Jurados de la Sección Competitiva Internacional y de la Sección Panorama Documental serán anunciados en breve.


Anuncio selección oficial de cortometrajes “fuera de competencia”:

-Esos dos, de Javier de la Torre, España (24 minutos)
-Holden, de Roque Madrid y Juan Arcones, España (19 minutos)
-Reevolution is my Boyfriend, Serafín Mesa García, España (3 minutos)
-Las séxicas, de César Marí Soucase, España (20 minutos)
-Tres en un cuarto, de Federico Calabuig, España (6 minutos)
-Manual for bored girls, de Jesús Plaza, España (4 minutos)
-Sigueme, de Alejandro Durán, España (14 minutos)
-Independence, de César Espada, España (23 minutos)
-Nubes, de Francisco Boira, España (11 minutos)
-Yo sólo miro, de Gorka Cornejo, España (20 minutos)
-A cuestas con mis padres, de Vicente Bonet, España (3 minutos)
-Icontroversy, de Antonio Prisco, Italia (3 minutos)
-2P2R, de Filipe Afonso, Portugal (11 minutos)
-PA, de Sophie Laly, Francia (3 minutos)
-A backside approach, de Nimrod Rinot, Israel (8 minutos)
-Amigá, de Elliot Morfi, Chile (6 minutos)
-Per favore non andare, de Beatriz Maldonado, Chile (30 minutos)
-Sob plumas e véus, de Fernanda Robusti, Brasil (3 minutos)
-El nido vacío, de Francisco Lipini, Venezuela (25 minutos)
-100mts. mariposa, de Nelson Romero, Venezuela (5 minutos)
-Abril, de Victor Palacios, Argentina (15 minutos)
-112, de David Marcial Valverdi, Argentina (17 minutos)
-Sucede que me canso, de Victoria Maffía, Argentina (5 minutos)
-Bajo el mismo cielo, de Milva Scollo, Argentina (5 minutos)
-Para toda la vida, de Ezequiel Daniel, Argentina (10 minutos)


Se entregarán los siguientes premios:

-Mejor cortometraje argentino (Clasifica para LA NOCHE DEL CORTOMETRAJE del INCAA)
-Mejor Director/ra
-Premio de Distribución Internacional otorgado por MAILUKI FILMS (de España)


Jurado: sección competitiva internacional:
Cristóbal Sobera, Lorena Cancela, Julio Caloggero

Jurado: sección competitiva “panorama documental”:
Andrea Molfetta, Ramiro García, Carolina Zarsoso Paoloni

Jurado sección competitiva argentina:
Alejandro Barratelli, Alejandra Portela, Lucas Santa Ana


www.cinediversidadygenero.blogspot.com